PROYECTO HONORARIAS (2024)
El proyecto se constituyó como un aporte a la comprensión de las relaciones entre la esfera laboral y el arte como una cuestión compleja, donde se conjugaron historia, estética, política e identidad, y como una fuente de significado para constituir una reflexión intensa sobre el presente.
En una primera instancia, Las Honorarias invitaron a un grupo de 18 artistas nacionales: Mónica Bengoa, Víctor Hugo Bravo, Carlos Costa, Gonzalo Díaz, Pablo Ferrer, Manuela Flores, Ricardo Fuentealba, Rainer Krause, Lukas Kühne, Cristóbal León, Adolfo Martínez, Luis Montes, Mario Navarro, Bernardo Oyarzún, Leonardo Portus, Pablo Rivera, Pablo Suazo / Editorial Plo e Iván Zambrano.
Cada artista contribuyó a este proyecto con una instrucción para Las Honorarias. En algunos casos fueron muy precisas; en otros, fueron proposiciones escuetas y susceptibles de ser modificadas. Sin embargo, todas ellas fueron interpretadas bajo las condiciones físicas, financieras y creativas de las autoras. Cada nueva obra buscó insistir en aquellos aspectos que se volvieron críticos desde el punto de vista de la interacción entre lo concreto —las instrucciones—, lo relativo —el proceso creativo— y lo problematizado —la obra—. En esta coyuntura, el problema central no estuvo anclado en el valor simbólico de cada obra, sino precisamente en la interacción entre ellas; en el camino que recorrieron lxs artistas invitadxs, Las Honorarias, las instrucciones y las obras para encontrarse en algún punto de la exposición.
La exposición propuso una visión crítica sobre el ciclo perverso de la relación contemporánea entre trabajador, trabajo y consumo, es decir, una crítica que también abarcó el espacio del arte, en particular su institucionalidad.
Texto por Mario Navarro







Pablo Ferrer
Lukas Kühne
Espacios sonoros generadores de sitios reactivos y su relación con el entorno. El espacio público es un terreno donde se manifiestan los valores de la democracia en directa vecindad con ciertas condiciones anárquicas. Se trata de la interrelación entre arte y vida, donde se revela y construye sociedad en espacios compartidos. Lo que motiva a medir y definir el espacio, es un deseo esencial que va de la mano con el impulso de reflexionar y formular preguntas. Esta ecuación, se relaciona por igual entre la escultura en el campo expandido y el análisis del sonido, sobre su particular impacto en el espacio.
Consideraciones como las ahora mismo expuestas nos llevan a preguntarnos ¿Qué tipo de relación genera o cuestiona un espacio sonoro reactivo en relación con la audiencia? ¿En qué́ contexto y de qué forma, la obra tiene memoria sonora? ¿Qué simboliza el lugar y la propuesta interactiva, con acústica pura transfiriendo tiempo y espacio al sonido? Consigna y posible línea de trabajo para el Colectivo Honorarias: Elegir e investigar el temario de un posible “espacio sonoro generando un sitio reactivo y su relación con el entorno”. Describir y documentar la investigación de forma escrita y visualizar el proceso con dibujos e imágenes, además de generar una representación sonora del proyecto. Juntar conocimiento y relatos de memorias sonoras hasta visiones que puedan implementar utopías y conceptos escultóricos sonoros concretos, para realizarlos.
Mónica Bengoa
Querida Loreto y Roery, Espero que estén de lo mejor. Les mando aquí mis instrucciones para la escultura colaborativa, ojalá les entusiasme. Propongo tejer un cubo de 40 x 40 x 40 cm, usando restos de lana en tonos rojos variados. La idea es tejer las seis caras procurando que no haya un patrón reconocible, que no queden líneas, sino que el color vaya cambiando cada pocos puntos, de manera que no se pueda reconocer ninguna forma ni reiteración regular. Ojalá que la lana (ni los palillos) no sea demasiado gruesa y sería ideal que el punto fuera solo derecho. Creo que la estructura del cubo podría armarse con madera o fierro delgado, para que se sostenga el cubo que se forraría con el tejido, procurando cerrar la cara superior al final. Esto, porque la idea es rellenarla con tierra de buena calidad, de hojas, ojalá con algo de humus, de modo que antes de cerrarla, cuando falten más o menos a unos 4 o 5 cm de tierra, depositen algunas semillas de hierbas medicinales, las que luego puedan crecer a través del tejido. Obviamente por el peso de la tierra, las caras laterales del cubo se van a abultar un poco, pero es parte de la obra no más, la tierra es tierra. Me parece que sería bonito incluir orégano, salvia, ciboulette, menta, romero, etc. No pueden ser demasiadas semillas, ni muy juntas, ya que podría ser demasiado para el espacio. Hay mucho de azar en esto, ojalá resulte. La idea sería probar cuánto demorarían en comenzar a aparecer las pequeñas plantas, de manera que se termine la obra cuando se sepa cuándo se mostraría. Así, una vez que se depositen las semillas, se termina de rellenar con tierra y se cose la cara superior del cubo, habría que comenzar a regar de a poco el cubo y esperar a que (ojalá) las semillas germinen y aparezcan a través del tejido. Es una obra que requiere ser instalada donde reciba luz natural y hay que regarla regularmente. Demás está decir que es importante registrar todo el proceso, ya que existe la posibilidad de que al mostrarla solo queden algunas plantas secas, por ejemplo. El título de la obra va a depender de lo que alcance a germinar, así que les pediría que me fueran avisando y así les mandaría el título. Cualquier duda me avisan. Gracias nuevamente por la invitación.
Cariños, m.
Mario Navarro
Hola Loreto y Roery,
Mi encargo es plantar un árbol (cualquier especie) chueco y colgar un trapo a modo de bandera pequeña con una frase escrita que hayan escuchado recientemente, puede ser incluso en el trayecto de sus casas al lugar donde estará el árbol. Cambiar la “bandera“ y la frase cada un mes. Tomar a lo menos 2 fotos cada mes, una del árbol completo y otra de la bandera con la frase.
Un abrazo, MN
Ricardo Fuentealba
Sobre mi obra me gustaría una en escala natural, como si fuera una escultura romana (un busto). Me gustaría que fuera en madera natural que se pudiera partir justo a la mitad para luego quemarla. Algo así, pero que no pierda los rasgos que se pueda reconocer. Estaré atento por si necesitan ir viendo posibilidades
Reiner Krause
Escultura no-visual. En la actual situación de pandemia, el peligro por la salud y la vida no radica en elementos identificables con la vista, sino en agentes biológicos, comportamientos sociales y políticas públicas erróneas. Este peligro en sí no tiene imagen formal, solo índices respecto de su defensa: la mascarilla no visibiliza el virus, sino su posible ataque. Las artes visuales se relacionan con el mundo a través de la representación y simbolización visual. No obstante, el mundo hace tiempo no se puede entender a través de su aspecto visual. Aunque la noción de escultura se asocia habitualmente con el empleo de materiales sólidos en forma tridimensional, por lo menos desde los años 70 del siglo pasado, en el arte se está relativizando esta determinación. Un ejemplo destacado es la escultura social de Joseph Beuys, en la que el pensamiento y el trabajo solidario se entienden como proceso escultórico. En mi campo de creación artística, el arte sonoro, el término de escultura también está presente. Como escultura sonora se entiende un objeto artístico material y tridimensional, que produce y emite sonido que constituye el significado principal de la obra. En otros casos, el artista define el sonido mismo como medio escultórico, hacer referencias a calidades plásticas del sonido en el espacio. Propongo la realización de una escultura con medios que habitualmente se rehúsen a la solidificación, no obstante, permiten la percepción tridimensional no-visual, quizás dinámica, como forma en el espacio. Elementos técnicos (equipos) no deben constituirse como la escultura misma, aunque quizás serían necesarios para su realización.
Adolfo Martínez
Colectivo Honorarias,
El encargo consiste en realizar tres acciones performáticas. Estas consistirán en salir a pregonar a tres distintas locaciones un manifiesto artístico que incorpore frases o pensamientos de artistas emblemáticos en la historia del arte. El tono que deberán tener las performers hará referencia al trabajo de las pastoras evangélicas en la vía pública, parodiando el modo, tono y vestimenta de una pastora evangélica. Otra alternativa posible sería buscar un pastor evangélico que quiera actuar de sí mismo leyendo y pregonando frases célebres de artistas como si estos fueran salmos o pasajes de la Biblia. Estas acciones deberán registrarse mediante video. Cada acción de este tríptico estará situada en tres contextos distintos en donde el sermón o manifiesto recordará a algún artista célebre o que le haga sentido al colectivo, ya sea por lo irónico o acertado de sus palabras.
EJEMPLOS
Cézanne / La primera acción performática de él o la pastora se encontrará situada frente a la Catedral de Santiago, como en otros puntos (Paseo Ahumado, Casa Central U. de Chile, Estación Mapocho). Pregonar frases como: “Vivimos en un arco iris de caos” , “El arte es una armonía paralela a la naturaleza”, “Es tan bueno y sin embargo tan terrible pararse frente a un lienzo en blanco”, “La sombra es un color como la luz, pero menos brillante. La luz y la sombra son sólo la relación de dos tonos”, “El artista vuelve a las cosas concretas y les da individualidad”, “Si el aislamiento templa al fuerte, es el escollo de los inciertos”, “Una obra de arte que no comenzó con emoción no es arte”, “No seas un crítico del arte. Pinta, allí se encuentra la salvación”, “La consciencia de nuestras propias fuerzas nos hace modestos”
Miguel Ángel / Segunda acción performática: pregonar dentro de un cementerio, en lo posible que sea de pueblo entremedio de las tumbas. “La verdadera obra de arte es tan solo una sombra de la perfección”, “Vi el Ángel en el mármol y tallé hasta liberarlo”, “Señor, concede que siempre pueda desear más de lo que puedo lograr”, “¿Qué espíritu es tan vacío y ciego, que no puede reconocer el hecho de que el pie es más noble que el zapato y la piel más hermosa que
la prenda con la que está vestida?, “Algo hermosa nunca da tanto dolor como el no lograr escucharlo y verlo”, “No hay ningún daño mayor que el tiempo perdido”, “El peligro mayor para la mayoría de nosotros no radica en fijar nuestra meta demasiado alta y quedarnos cortos; sino en fijar nuestra meta demasiado baja y lograrla“
Duchamp / Tercera acción performática: pregonar dentro de un zoológico con el pastor o pastora caminando entre las jaulas donde haya planos y primeros planos de los animales alertados por la presencia del pastor. Pregonar frases como: “Llegué a sentir que un artista podría utilizar cualquier cosa, un punto una línea; un símbolo más convencional o poco convencional para decir lo que quería decir”, “Una pintura que no impacta no es una pintura digna”, “El Arte es una cuestión de personalidad”, “Lo que el arte es, en realidad, es este eslabón perdido, no los enlaces que existen. Es no lo que se ve lo que es arte; el arte es el hueco”, “Estoy interesado en las ideas, no sólo en productos visuales”, “Si tu elección se implica, entonces el gusto participa: mal gusto, buen gusto, gusto sin interés. El gusto es el enemigo del arte, A-R-T-E”, “¿Pueden realizarse obras que no sean de Arte?”
Manuela Flores
Hola Roery y Loreto:
¡Espero que se encuentren muy bien! Les escribo por lo que me contactaron. Respecto a la idea de la escultura que realizarán, mi invitación es a que trabajen con el concepto “en línea” o “online”, que hace referencia al estado activo de conexión tan experimentado, usado y abusado, sobre todo ahora en el contexto de la pandemia. Queda abierto a cómo lo quieran interpretar, mi idea es encontrarle un sentido a esa conexión real no presencial. Un abrazo y quedo atenta a colaborar en lo que necesiten,
Manu.
Leonardo Portus
Que interesante, mira, los recuerdos que tengo de Estación Central son los siguientes y pienso que un cruce entre ellos y las vivencias de ustedes, puede ser el eje del encargo –cómo estos recuerdos llegan a ustedes–. Recuerdo las caminatas más cercanas por donde llegábamos a la muralla poniente del vertedero Lo Errazuriz, actual parque Bernardo Leighton. Esa muralla del tipo Bulldog era el límite o fondo de varios pasajes sin salida como este que te dejo en el link más abajo. Lo acabo de ver en Google Street y la fisonomía era muy distinta, sin árboles. Lo interesante es que aquella muralla permanentemente presentaba perforaciones o derechamente roturas, porque como nos contaba mi mamá, había patos malos que la rompían para pasar al
vertedero a fumar pitos o llevarse gente para asaltar o violar. Imagínense lo tétrico del asunto. Recuerdo que un día yo, mi mamá y mi hermana miramos por unos de esos hoyitos a lo Étant donnés y vi parte de la excavación tipo tajo abierto de Chuquicamata y los camiones de la basura bajando hacia el fondo descargando su contenido; también mucha ave revoloteando. Ese fenómeno de percepción nunca me ha abandonado. Si tuviera entonces que elegir palabras claves serían cuatro: muro, olor, aceite y rendija. Y cuando pienso en referentes de este encargo se me vienen a la mente la obra Étant donnés de Marcel Duchamp, la obra matérica de Tàpies y la intervención con aceite en el desierto de Eugenio Dittborn. Un abrazo grande,
Leonardo
Iván Zambrano
Hola Loreto y Roery. Le he dado varias vueltas a la propuesta y me gustaría que trabajen a partir de identificar las diferentes formas en que opera el concepto de “el poder” en la generación de todo proceso creativo. Sé que puede ser muy complejo, pero creo que hoy más que nunca es imprescindible generar otras formas de relacionarnos entre seres humanos, la naturaleza y también con las cosas. Para esto es imprescindible reconocer y desechar formas en que opera la generación y manifestación del poder tradicional, me refiero a las formas más obvias como el patriarcado, a otras más sutiles (como, por ejemplo, la definición de qué es una escultura). Sé que mi propuesta incluye tanto a un concepto como a una metodología de trabajo, pero si lo consideran necesario poder ir conversando el tema. Les envío un abrazo, Iván Zambrano.
Bernardo Oyarzún
Hola Roery y Loreto. Hacer una escultura o instalación bajo los siguientes parámetros: Usar como referente el ingenio autodidacta; para sobrevivir o defenderse de alguna forma con algo, estas situaciones de precariedad desatan la creatividad y positivismo que en algún caso sobrepasa el límite al mundo artístico con creaciones notables. La gama de artefactos e inventiva queda plasmada en vehículos, carritos de emprendimiento u otras construcciones necesarias, como carpas para dormir, toldo o lo que sea, pueden ser inventos, herramientas, etc., es impredecible lo que se puede encontrar. Quedo atento a cualquier duda. Saludos y éxito con su proyecto.
Bernardo
Luis Montes Rojas
Solicito a Uds. puedan proyectar una obra que cumpla con los siguientes requerimientos: En un lenguaje de carácter escultórico, se deben simbolizar los valores fundamentales para la constitución de una sociedad democrática. Las artistas podrán proponer, sin mayores restricciones, un emplazamiento para la obra en la ciudad de Santiago. Podrán trabajar con plena libertad. Los materiales sugeridos son el bronce, la piedra, el hormigón, el acero. La proyección de la obra debe incorporar planos de emplazamiento y construcción. Sin otro particular, les saluda atentamente,
Luis Montes Rojas
Pablo Suazo
Hola, estamos transmitiendo desde el interior del carril. Cerca del cementerio de Recreo de Viña del Mar. Este poema se llama: “Reunión Docente”. No pude importar mi entrega para con la nueva forma de explotación. Reuniones virtuales con planteles docentes completos pintados en sus caras con el color esperanza mirando al futuro con el corazón, orgullosos de sus logros, pregnados en su vocación frente a estos nuevos desafíos. Todo es hermoso, procesos hermosos, productos hermosos, cierres de semestres hermosos. Mientras los equipos asesores de ingenieros comerciales consultores de los dueños de la empresa en que trabajo, se soban las manos viendo que es más que posible realizar un abaratamiento general de costos educacionales a nivel macro sin mermar los ingresos venidos de créditos y de becas estudiantiles, tablas de datos, gráfico de barras, gráficos de torta y porcentajes hermosos. Se ve un desarrollo y un fortalecimiento claro de la economía creativa domiciliaria y pareciera que la industria educacional no sufriera mayor merma económica frente a la contracción y el receso y la caída generalizada causada por la pandemia. Sólo se acepta socialmente un desgano e indiferencia individual que ciertos alumnos se han enfrentado a un bucle cotidiano de fusiles, mascarillas, balances ministeriales, voces y rostros pixelados, alcohol gel y controles de temperatura permanentemente provisorios indefinidamente fijados en esta forma de hermosura titánica. Silenciada en audio y video cómo quién tapaba el sol con un dedo.
Gonzalo Díaz
Los materiales referenciales que le propongo que sean empleados, como referencia y modelo también, están relacionados entre sí por una especie de tesis que sostengo sin demasiado fundamento, ni de caracter historiográfico ni menos estilístico o formal. Estos materiales se refieren, ambos, a trabajos del campo (que es uno de los más antiguos y prestigiosos, tal vez, solo precedido por el cultivo de las peligrosas artes de la caza., Contemplo también las connotaciones que la noción de “trabajo del campo” tiene, que van desde la explotación y la esclavitud, al idilio y el romanticismo. Engrosan el prestigio histórico que tiene este título —trabajo del campo— sus menciones bíblicas y evangélicas: “ganarás el pan con el sudor de tu frente” (y su contraparte moderna-tecnológica [-siniestra] del facismo: “El trabajo os hará libres”). Uno de estos referentes que les quiero proponer es de carácter visual, en tanto el otro, pertenece al campo poético-literario. El primero corresponde a un «libro de horas» llamado Las Muy Ricas Horas del Duque de Berry, considerado que contiene la mejor colección de pintura gótica de europa central, libro que fue «iluminado» por los hermanos Limbourg —Paul, Jean y Herman— a inicios del s XV, por encargo del multimillonario y gran abusador Juan de Francia, Duque de Berry, que por pertenecer a la dinastía capeta de los Valois, fue hijo, hermano y tutor de reyes de Francia. La sección de las labores del campo de este libro de horas y que se corresponden con los meses del año, es un conjunto de láminas, de cuadros de pequeñísimo formato, cada uno «iluminado» por los Limbourg (algunas de estas láminas fueron terminadas más tarde por Bartholomeo Van Eyck, pero estos datos de erudición no tienen importancia para el presente encargo). Se caracterizan estas pinturas por tener en su parte superior una sección con forma de semicírculo, con la posición de la luna, el sol y las estrellas que supuestamente guían y determinan las labores del campo relacionadas con las estaciones del año, que se representan en las respectivas escenas. El segundo material es el gran poema de Virgilio llamado Geórgicas, o Las Geórgicas. Es un encargo del Emperador Augusto al más grande de los poetas de Roma, para incentivar la producción agrícola del Imperio. Según parte de mi peregrina tesis, sería este poema el programa de Reforma Agraria del Emperador. El poema es didáctico y sus partes están dedicadas a las materias y asuntos más relevantes del trabajo del campo, a sus métodos y a su historia. Una sección es dedicada al cultivo de los árboles y la preparación de los suelos, a los frutales y en especial, al cultivo de los olivos y de la vid. El tercer libro se dedica a los animales, a la ganadería caballar y vacuna, ovina y caprina, al cuidado y cría de los perros. Y lo más emocionante, al menos para mí, también lo más extraño es que dedica el cuarto y último libro por entero al cuidado de las abejas y a la generación espontánea de la vida, que el poeta que vivió en la centuria que precede la época de Cristo, confunde con todo el barullo vital que pulula en la putrefacción del cadáver de un animal. (Ni siquiera el error garrafal del postulado poético hace perder ni un ápice la grandiosidad productiva de la imagen). Veo una relación casi evidente entre ese libro de horas medieval y este poema clásico de casi 1500 años antes, como si uno fuera la ilustración del otro. Les propongo encontrar uno de los trabajos del campo que estén formulados y representados en estos dos modelos, uno visual y el otro literario, considerando ese par de fragmentos como sustrato de la obra que pueda surgir de la sinergia de esas imágenes de tan distinta naturaleza. A este propósito, quisiera además compartir con ustedes un concepto de mi invención —que había olvidado por completo—, de utilidad para una comprensión adecuada de la relación siempre conflictiva entre la autonomía de la obra y su arraigo meramente ilustrativo con respecto a cualquier tema que se le quiera imponer. Hay un procedimiento naval para anclar un buque en medio de un ambiente tormentoso, que se denomina “al garete”, “estar al garete”. Consiste en echar una sola ancla, en vez de las dos, como debiera ser, de manera que el buque pueda girar de popa en torno al punto fijo de la cadena sin que ésta se enrede con la otra o incluso se corte, poniendo en peligro la flotación de la nave. A este giro sobre el punto muerto de la proa como si fuera el centro de su propio eje, se le llama “estar al garete”. El buque mantiene, entonces, su integridad sobre la superficie del agua gracias a la movilidad que le proporciona el anclaje que se lo permite manteniéndolo, sin embargo, en un punto fijo de referencia. En este mismo sentido, y para salvar la relación esclavizante de texto (relato, tema, asunto, panfleto, postulado ideológico, etc.) y obra que lo ilustra, se podría decir que la obra que ustedes producirán teniendo como sustrato estos dos materiales de referencia —el libro de horas Las Muy Ricas Horas del Duque de Berry y Las Geórgicas de Virgilio— “está al garete” de esos materiales.
Lunes 31 de agosto, 2020


